Il binomio nuovi Album e Agosto viaggiano su due rette parallele verso l’infinito. Agosto è un mese un po’ particolare, tutti vogliamo scappare dalla città e dal lavoro che ci ha tenuti quasi in ostaggio per mesi. Tutti vogliamo un respiro spensierato dai problemi o dagli impegni che arriveranno a settembre. L’estate crea nuovi amori, nuove esperienze, nuove sensazioni e spesso anche nuova musica.
Molti artisti si chiudono in studio e mettono in stand by il tour per creare qualcosa di nuovo o i più fortunati riescono a coordinare tutto per registrare musica nuova.
Chi ama la musica e oggi grazie a social si è in tanti, d’estate vogliono vederla e viverla dal vivo.
Noi di RIS8 siamo riusciti a coprire anche alcuni eventi importanti e tra poco ci aspetta anche la nuova edizione del #jazzrefound. Nel mentre però in queste settimane sono usciti 30 album da non sottovalutare assolutamente! Abbiamo scelto questi dischi perché sono leggermente poco conosciuti ma hanno quel particolare che dovrebbe lasciare il segno.
V O R T E X – Terence Etc.
Se cerchi roba fresca che non ti da’ un attimo di pace nell’ascolto sei nel posto giusto.
Terence Nance è genere non conforme.
Lo scrittore, artista, regista e musicista di Dallas, in Texas, è celebre soprattutto per il suo film presentato in anteprima al Sundance An Oversimplification of Her Beauty e per la serie televisiva HBO Random Acts of Flyness. Tragicomedie sul flusso di coscienza che sovvertono e fanno satira nella sua narrazione. Nel suo album di debutto VORTEX abbondano gli esperimenti soul e R&B dagli occhi specchiati, che abbracciano la “coerenza del cambiamento” per ottenere la catarsi.
L’album mette in mostra oltre 10 anni di epica strutturazione compositiva con l’aiuto di co-autori e produttori, tra cui il fratello di Nance, Djore, Solomon Dorsey, Nick Hakim e Nelson Bandela.
Oltre 11 tracce, elementi indie folk, pop, hip-hop, orchestrali e di teatro musicale fluttuano contro una corrente sotterranea di funk, soul e R&B. Nance, che interpreta Terence, Etc., inserisce con successo gli ascoltatori in un sistema circolatorio di storie strutturate sulle relazioni, ma il disco è spesso intenzionalmente cerebrale e snervante, a volte compreso solo dal suo creatore. Malgrado questo particolare è un album IPNOTIZZANTE dall’inizio alla fine.
Cheat Codes – Danger Mouse & Black Thought
Dopo quasi due decenni di collaborazioni on-off, questi due musicisti veterani raggiungono finalmente il traguardo con il loro primo album insieme.
Il produttore Danger Mouse e il rapper Black Thought hanno entrambi fatto carriera superando i divari culturali.
Danger Mouse ha debuttato alla grande come produttore con The Grey Album del 2004 , il suo mix di voci sul disco di JAY-Z in The Black Album con le parti strumentali dell’omonimo nono integrale dei Beatles, colloquialmente noto come The White Album. Il successo di The Grey Album ha portato al lavoro di produzione con rapper come CeeLo Green e non solo. Con lui però ha pubblicato due album sotto il nome Gnarls Barkley. Poi ha lavorato con il compianto MF DOOM ma anche con i poliedrici indie-rock come Damon Albarn e Beck.
Black Thought, nel frattempo, è un veterano del rap da 30 anni e il principale MC dei The Roots che ora disegna connessioni tra capi, politici e cultura pop in uno spietato freestyle tutte le volte che calma e solletica il pubblico di The Tonight Show e Sesame Street. Ognuno di loro usa la musica per piegare il tempo e la storia alle rispettive volontà, trovando il giocoso e il profano in ogni spazio che occupano.
La leggenda narra che i due nel 2005 dopo la collaborazione su DOOM Adult Swim in The Mouse and The Mask , hanno iniziato a creare un album originariamente chiamato Dangerous Thoughts.
I fitti però impegni alla fine li costrinsero ad accantonare il progetto per oltre un decennio: Danger Mouse formò il duo Broken Bells con James Mercer dei the Shins e produsse album per The Black Keys e Karen O. Black Thought invece si stabilì nel suo ruolo nella house band di Jimmy Fallon e nei The Roots sempre attivi, poi il suo EP solista nel 2018 e dopo diverse false partenze, il duo ha raggiunto finalmente il traguardo con la loro prima collaborazione chiamata Cheat Codes.
La loro fiducia reciproca è ben riposta, generando una dozzina di brani di hip-hop che manda tutta la nuova generazione a casa e fa pensare i veterani del rap game.
Disco del mese se non dell’anno, prendi nota.
Kemo-Sabe – Masao Nakajima Quartet
Ristampato di recente dalla serie J Jazz dell’etichetta BBE, l’album del 1979 del pianista di Tokyo è più tradizionale dei suoi contemporanei nella scena jazz giapponese, ma trabocca di carattere.
Quando il pianista Masao Nakajima pubblicò Kemo-Sabe nel 1979, il jazz giapponese stava attraversando un boom di fusion elettronica. L’imitazione di Blue Note era morta; gli artisti si sono lanciati verso la libera improvvisazione, l’impressionismo post-modale e il profondo jazz spirituale.
I musicisti stavano trapiantando elementi di musica elettronica, rock, afrobeat, flamenco e funk nei loro arrangiamenti; non è stato imposto nessun confine. In questo contesto, Kemo-Sabe era un anomalo stilistico: un album jazz classicamente acustico. Non che Nakajima fosse un convinto tradizionalista. Una volta possedeva sintetizzatori e un organo Hammond, ma li ha venduti tutti per finanziare un viaggio formativo negli Stati Uniti.
L’innovazione su Kemo-Sabe arriva nell’interazione dinamica tra il quartetto, i groove ariosi e l’assolo virtuoso.
Gli strumenti – pianoforte, basso, batteria e sax – potrebbero essere stati standard, ma i risultati ricordano l’individualismo a ruota libera che si è scatenato nel jazz giapponese.
L’ etichetta britannica BBE ha ristampato Kemo-Sabe come parte della sua meravigliosa serie J Jazz, che copre il periodo incessantemente inventivo del jazz giapponese dalla fine degli anni ’60 all’inizio degli anni ’80.
Insieme a lui per le sessioni di Kemo-Sabe c’era il bassista Osamu Kawakami, che in precedenza aveva collaborato con i pesi massimi della scena Sadao Watanabe. Alla batteria c’era l’americano Donald Bailey, noto per aver suonato nei dischi Blue Note di Jimmy Smith e per aver registrato con Roy Ayers; Sebbene Kemo-Sabe fosse inizialmente destinato a un trio, Nakajima invitò Toshiyuki Honda, leader del popolare gruppo fusion Burning Waves, a suonare flauto e sassofono in alcune canzoni. Game Seven and Match! Questo disco non può mancare nella collezione di un’amante del Jazz ma attirerà anche l’attenzione di un ascoltatore pellegrino nel genere.
Eccentric Soul: The Shiptown Label
L’ultima puntata della serie Eccentric Soul che dipinge un vivido ritratto del suono Norfolk e della sua influenza sconosciuta. Per un breve momento a metà del 20° secolo, Norfolk, in Virginia, è stata il centro di un universo musicale guidato da Noah Biggs.
Il vagabondo a ruota libera originariamente arrivò in città al culmine della Grande Depressione in cerca di lavoro nel settore marittimo, e alla fine trovò lavoro come scaricatore di porto in uno dei fiorenti cantieri navali della zona. Con una passione per il gioco d’azzardo che ha alimentato il suo interesse per l’imprenditorialità, Biggs ha scommesso sull’industria discografica, tra l’altro avviando una delle poche grandi etichette mai emerse dall’area.
Shiptown Records è stata la risposta di Norfolk alla Motown, uno sbocco commerciale per la vasta rete di musicisti soul e R&B che si guadagnavano da vivere esibendosi nei locali notturni della zona.
Questa nuova compilation, Eccentric Soul: The Shiptown Label, offre una finestra sull’impronta e sul paesaggio strano ed eccitante dell’epoca, mostrandone l’importanza senza parlare troppo a nome della musica.
Shiptown ha stabilito un’immagine e un’identità di marca per il “Norfolk Sound”, uno stile regionale di musica soul che presumibilmente ha ispirato i The Beatles e ha trovato nuova vita come parte del movimento inglese “Northern Soul”.
L’etichetta ha anche beneficiato del costante afflusso di persone (e capitali) che si spostavano per la città negli anni ’50 e ’60, grazie ai suoi cantieri navali in piena espansione e alla base navale. Frank Guida, un dirigente discografico locale che possedeva il negozio e lo studio in cui gran parte del “Norfolk Sound” è stato registrato per la prima volta, ha contribuito a costruire l’infrastruttura della scena attraverso una suite di successo di etichette e artisti, come il cantante Gary “US” Bonds, che ha pubblicato una manciata di singoli che hanno trascorso più settimane nelle classifiche di Billboard.
Ida Sands, cantante e membro del Soul Duo and the Idets, è diventata una delle più grandi star di Shiptown. La sua traccia solista “Start All Over Again” appare circa a metà di questa compilation, riverberando come un’esplosione trionfante di petardi dall’età d’oro del muro del suono di Phil Spector. Con fiati sfacciati, chitarre spesse e un calore confuso e lo-fi, il singolo del 1969 sembra un chiaro pezzo forte, il tipo di singolo pop perfetto che i cercatori di casse passano tutta la vita a cercare, anche se è vistosamente sepolto dalle note dell’album sequenziamento.
Se non conosci questo sound, questa musica… è arrivato il momento nella tua vita che clicchi play qui sotto.
33 – Insightful
Direttamente da Los Angeles in continua crescita e con una fan base sempre più solida, Matthew Suggett ci trascina nel suo nuovo mondo. Quest’album arriva anche dopo essere apparso sulla colonna sonora di Nba 2k22, il famoso videogioco di basket. Probabilmente non ha ancora ottenuto tutta l’attenzione che si merita per quello non è conosciuto ai più. Questo disco però gli fa alzare decisamente l’asticella della sua creatività musicale.
Insightful è un produttore con sede in California e crea musica strumentale dal 2007. Le sue influenze musicali spaziano dall’Acoustic Folk, Hip Hop con un pizzico di elettronica, anzi togliete la parola pizzico.
Gossip: dal suo piccolo monolocale suona ritmi dalla sua cucina, quando comincia a creare accende l’incenso e apre una Guayaki. Al di fuori della musica, Insightful in realtà è anche un artista digitale. Il fascino delle sue cover è notevole e il suo immaginario è aperto a tutti ma attenzione però, perché potreste o perdervi nei suoi suoni o innamorarvi follemente. In entrambi i casi se ascoltate il suo nuovo album 33… siete f*****i.
Reset – Sonic Boom & Panda Bear
I collaboratori di lunga data Noah Lennox e Peter Kember ottengono una fusione mentale inebriante su un tributo ricco di campioni dal pop degli anni ’60.
Tendiamo a pensare all’influenza creativa come a uno scambio a senso unico tra una generazione più anziana e una più giovane. Ma quella formulazione non è solo semplicistica; spesso è completamente sbagliata. Di tanto in tanto, un musicista veterano vibra così forte con un coetaneo più giovane che sembrano fondersi esteticamente, filosoficamente, anche molecolare, condividendo un’evoluzione artistica nel corso di molti anni.
Nel caso straordinario di Noah Lennox, alias Panda Bear , e Peter Kember, alias Sonic Boom , i due si sono fusi così completamente che a volte sembrano un’unica mente musicale.
All’inizio, Panda Bear era l’accolito di Sonic Boom. La band fangosa e drogata di Kember Spacemen 3, pionieri dello space rock di fine anni ’80. È stata un faro quando gli Animal Collective di Lennox hanno contribuito a guidare la psichedelia nel 21° secolo. Panda Bear ha nominato Spacemen 3 nelle note di copertina del suo album solista del 2007, Person Pitch , che ha abilmente impiegato tecniche elettroniche per produrre suoni terrosi e acustici. Quando i due artisti si sono incontrati per la prima volta, è stato perché Kember, che ha un talento simile per attirare il calore dalle forme d’onda fredde, ha inviato a Lennox una nota di un fan su MySpace.
Reset affronta il nostro tormentato zeitgeist evitando il terrore ambientale, la critica allegra e la rabbia ribollente che spesso caratterizzano i dischi che consideriamo attuali oggi.
“Il sudore di un tizio/è il balsamo di un altro”, canta Panda Bear in “Go On”. Potrebbe condannare un sistema capitalista sfruttatore, ma Lennox sta anche descrivendo l’elevazione della sua musica e il duro lavoro richiesto per realizzare un simile album.
Reset è una dose di leggerezza umana nella fatica del presente.
Let’s Turn It Into Sound – Kaitlyn Aurelia Smith
Disponibile solo su YouTube Music e Apple Music, Kaitlyn stravolge ancora una volta l’idea di un disco lineare. Cinetica e imprevedibile, questa collezione ricca di idee offre un’evoluzione dalla musica ambient e new age, suo marchio di fabbrica.
Ha deciso di cercare una risposta fisica ai nostri dilemmi moderni. Una volta mirava a creare conforto, uno stato meditativo. Forse la crisi ha reso il suo approccio deforme in modi imitati dalle figure che popolano le immagini che accompagnano il suo nuovo album Let’s Turn It Into Sound: questa è una sorta di mania controllata poliritmicamente.
Più vicino alle stimolanti acrobazie sulla pista da ballo che alle fantasticherie, l’album è un impasto laminato masticato di suoni di sintetizzatore che ricorda i drammatici passi di Anna Meredith. La metà posteriore di Pivot Signal marcia come una banda di ottoni posseduti. Le voci elaborate danno vita a titoli che sembrano provenire da un chatbot distrutto che è stato installato sul mainframe di un’astronave.
Sono io o sei tu? riproduce il trucco del concept album della stazione radio, ma invece del sibilo intermittente, c’è un extraterrestre che hackera le forme d’onda. Ci si aspetta che la musica di Smith si muova al ritmo della respirazione yogica, ma qui niente è rilassato o rilassante.
Heartmind – Cass McCombs
Attraverso un album casualmente sublime, Cass McCombs è al suo massimo di fiducia e intenzionalità, tornando costantemente all’immaginario della musica e alle vittime di una vita dedicata alla creazione e alla condivisione dell’arte.
Heartmind potrebbe essere definito un concept album e, a differenza di qualsiasi cosa dal 2011 WIT’S END, è un album volutamente unificato e coeso, condividendo temi, trame e fili musicali in otto canzoni.
Nelle note di copertina, accanto a due citazioni sul sufismo, McCombs dedica il disco alla memoria di tre musicisti scomparsi con i quali ha condiviso una storia cruciale.
Il chitarrista Neal Casal, morto suicida nel 2019, è stato suo compagno di band nel suo progetto utopico folk, gli Skiffle Players; Chet “JR” White, lo strumentista delle Girls morto nel 2020, ha lavorato al doppio album di McCombs del 2013 Big Wheel and Others; e Sam Jayne, il cantautore di Lync e Love as Laughter morto anche lui nel 2020, ha suonato con lui in alcuni dei primi spettacoli fondamentali a metà degli anni 2000.
Creato sulla scia della loro morte, Heartmind ritorna costantemente all’immaginario della musica e delle performance e alle vittime di una vita dedicata alla creazione e alla condivisione dell’arte. Nella spensierata “Karaoke”, McCombs si chiede se sta vivendo una vera connessione con qualcuno o se entrambi stanno facendo i movimenti, recitando vecchie battute nel tentativo di convincere la stanza che lo sentono davvero.
Nella splendidamente arrangiata “A Blue, Blue Band”, un atto sfortunato in tournée da Virginia City, Nevada, ha il superpotere di far sentire ogni membro del pubblico, entro la fine del set, esattamente come si sente… vale a dire, blu.
Come scrittore, McCombs non è mai sembrato così sicuro di sé o intenzionale. Per molto tempo, il suo confronto più frequente è stato Elliott Smith a causa della sua voce sommessa, dei testi non lineari e delle melodie maestose e tortuose. Un disco d’ascoltare tutto d’un fianto.
I Survived, It’s Over – Rich Ruth
Rich Ruth è una specie di uccello strano nel panorama musicale moderno.
Un Rust Belt Midwester che ora chiama Nashville la sua casa, riscrive la sua peculiare tavolozza stilistica comprende jazz spirituale, elettronica ambient, new age e kosmische.
Le condizioni meteorologiche sono infatti un’influenza diretta, poiché gran parte del suo secondo LP è stato scritto dopo che una serie di tornado ha quasi devastato il suo quartiere.
Il debutto autoprodotto di Ruth nel 2019, Calming Signals, è stato un lavoro terapeutico e spesso catartico e il suo seguito, I Survived, It’s Over, lo è forse ancora di più.
La sua prima uscita per Jack White’s Third Man, il set di sette tracce, sfrigola di energia selvaggia mentre fonde i drammi della vita in ampi vortici strumentali di gioia, furia, confusione e guarigione.
Con titoli di canzoni come “Older But Not Less Confused” e “Desensitization and Reprocessing”, Ruth riflette la sua tenue posizione all’interno della corrente vorticosa della vita. Questa è una grande parte di ciò che rende la sua musica così affascinante e immediata.
Writer Fluid EP – Cas Metah x Theory Hazit
Cas Metah si unisce a Theory Hazit per un piccolo EP di classe intitolato ” Writer Fluid ” con sette tracce progettate per far annuire la testa e per fornire alla mente una stimolazione intelligente attraverso la musica. Se ami l’hip-hop sei nel posto giusto.
La title track ‘ Writer Fluid ‘ dà il via a questo EP con il botto. La produzione è davvero solida, mescolando alcune note polverose all’interno con battiti di mani che fanno muovere l’atmosfera. Theory Hazit è il produttore più sottovalutato di sempre.
Cas Metah invece attacca anche per la giugulare, il suo flusso enigmatico che affascina l’ascoltatore, il suo gioco di parole e il contenuto lirico ti fanno sedere e prendere nota.
“Cop Out ” è una traccia più trionfante con un’infusione soul-funk e caratteristiche dope e poi ” The Viking and The Villain ” prende il sopravvento con Kurupt che usa il microfono come pulpito personale non solo per sputare BARS ma per inviare un messaggio su una colonna sonora deliberata e potente che si integra perfettamente nel flusso e nella cadenza intricata di Cas. Cas arruola Aceyalone e A-Plus per Stripes-Remix‘ e ogni presentatore si fa avanti e corrisponde allo sforzo e all’intelligenza del primo verso di Metah.
È un’atmosfera più lounge/soul quando ” Slapp Boxx ” colpisce le cuffie. Il profondo flusso baritonale di Sharp-One ti fa sedere e prendere nota, prima che Cas e Genesis Da God distruggano il microfono con la loro stessa malvagità verbale.
“Bar Fight” è una delizia polverosa e boom bap, che ha un piccolo guanto di velluto sul pugno di ferro. L’EP si spera sia un’anteprima di qualcosa di più grande che ancora deve arrivare.
DON’T SLEEP ON THISSssS!
Profound Mysteries II – Röyksopp
Che tu ami, odi o ti senta profondamente indifferente al suono del settimo album in studio di Röyksopp , Profound Mysteries II , non puoi certo dire che non ci abbiano avvertito.
Prima dell’uscita dell’album, Svein Berge del duo norvegese ha confessato i “sfacciati” e i “riferimenti pesanti” sul secondo capitolo della serie Profound Mysteries, secondo lui sono un tributo a influenze chiave, come Kraftwerk, Depeche Mode, Italo disco e rave nel Regno Unito degli anni ’90.
Per quanto aperti possano essere Berge e Torbjørn Brundtland riguardo alle loro ispirazioni, è difficile immaginare una circostanza in cui un ascoltatore senziente scelga gli schemi di rime goffi e il rave pop argentato di “Unity” rispetto all’intramontabile cintura hardcore del Meat Beat Manifesto ” Radio Babylon”, a cui fa riferimento nella batteria e nel campione vocale ritagliato.
È anche improbabile che preferiscano la techno a basso volume goffamente rimaneggiata di “Control” al classico house di Adamski e Seal “Killer”.
La melodia eroicamente deprimente di “Sorry”, con il cantilena anonimo di Jamie Irrepressible, suggerisce i Depeche Mode, ma con tutto il sesso deviante rimosso dal sondaggio. Questo è un peccato, perché al meglio, i Röyksopp non sono mai stati nei luoghi comuni. Il loro album di debutto, Melody AM, trascendeva l’elettronica consumata e rilassata con trame melodiche straordinariamente flessibili e ospiti vocali insoliti, tra cui il softie norvegese Erlend Øye. Quindi a che punto saranno oggi nella loro carriera?
Non c’è niente di fondamentalmente sbagliato in questa direzione. Potremmo chiamarla Beyoncé regola: la maggior parte delle persone accetterà artisti che fanno musica che prende molto in prestito dai loro antenati, purché riconoscano il debito e producano qualcosa che si aggiunge al canone. Röyksopp sorvola questo primo ostacolo su Profound Mysteries II, ma vacilla sul secondo.
Au Sussie – Au Suisse
La prima uscita in duo di Morgan Geist e Mike Kelley comprende un’ampia gamma di punti di riferimento dei primi anni ’80 dalla disco, al new romantic, al sophistipop. I suoni si fondono in un vortice opalescente da non sottovalutare mai.
Morgan Geist e Kelley Polar meglio conosciuto come Mike Kelley hanno violato l’ortodossia della pista da ballo per più di due decenni. Verso la fine del millennio, mentre i produttori su entrambe le sponde dell’Atlantico stavano spogliando la house e la techno fino alla loro essenza, il duo di Geist e Darshan Jesrani Metro Area è andato nell’altra direzione, facendo rivivere le vivaci caratteristiche della discoteca e del boogie dei primi anni ’80. Ariosi assoli di flauto, tamburi con pistole a raggi da banco e sfacciati tasti di Rhodes, conditi con uno squillo delle corde sbarazzine di Kelley.
In questo disco suona tutto molto grasso o cicciotto per rendervi un’idea. Molti suoni come i gassosi pad vox e il ritmato groove del charleston di “Thing”, gli arpeggi sbuffanti e i rullanti di “GC” potrebbero provenire direttamente da una sessione della Metro Area. Ma Au Suisse beneficia di due decenni in più di know-how ingegneristico; La musica di Geist non è mai stata così sontuosa come in questo album. Anche nella loro forma più enfatica, le canzoni di Au Suisse non esplodono tanto quanto si spiegano, con grazia, regale, come stendardi che annunciano gli eredi unti di una lunga tradizione di synth-pop lussureggiante ed emozionante: un po’ dandy, a volte anche un po’ assurdi.
Art Moore – Art Moore
Un nuovo progetto della cantautrice dei Boy Scouts, Taylor Vick, espande il suo suono casalingo in un dream pop spettrale e coinvolgente.
Taylor Vick fa sembrare una merda utile. Registrando sotto il nome di Boy Scouts, la nativa di Oakland dipinge scene vivide di dolore annientante e vivificante, le sue canzoni drammatizzano la convinzione che i grandi sentimenti siano meglio di nessun sentimento.
Sul primo album di Art Moore il suo nuovo progetto di collaborazione con i musicisti di Los Angeles, Sam Durkes e Trevor Brooks, canta di notti insonni, angoscia irrefrenabile e ricordi così ossessionanti da infettare ogni momento della sua vita da sveglio. Come il suo lavoro passato, il disco è a cavallo tra il soccombere alla sofferenza del presente e il soffocarsi nei piaceri del passato, ma la produzione sbalordita di Durkes e Brooks offre un nuovo approdo: è la più sognante e coinvolgente di Vick album, un’aggiunta impressionante al suo prolifico catalogo. Questo disco non può mancare nella playlist di agosto.
Mint Chip by Kamikaze Palm Tree
Ritmi a zig-zag, post-punk teatrale e ballate surreali abbondano nel secondo album in studio di californiani fuori luogo. Un riff scorrevole che suona e suona tutto in una volta. In un certo senso “Predicament”, la quarta traccia del nuovo album dei Kamikaze Palm Tree, Mint Chip , suona come se potesse essere la sigla di una sitcom perduta di Hanna-Barbera.
Ma accanto a quella familiarità da cartone animato ci sono divagazioni in qualcosa di sconosciuto. L’intero album sembra crescere componenti extra ogni volta che lo ascolti.
I Kamikaze Palm Tree sono Dylan Hadley (batteria e voce) e Cole Berliner (chitarra) di San Francisco, uniti in Mint Chip dal bassista Josh Puklavetz, Laena Myers Ionita al clarinetto e Brad Caulkins al violino.
Il precedente album del duo, Good Boy , è passato da un jangly pop a un clangore chug. Live at KALX suonava a volte come i Velvet Underground che suonavano spiritual jazz. Mint Chip continua questa traiettoria imprevedibile. Le acute dinamiche di Good Boy sono scomparse, così come la sensazione di collage sognante dell’album dal vivo. Al loro posto c’è una tavolozza più ricca e una maggiore chiarezza. La band strappa una nuova bizzarria da suoni che inizialmente sembrano kitsch o retrò.
Le loro canzoni sono flussi di coscienza ben composti e ballabili. Cambiamenti lirici obliqui abbinati a salti improvvisi in ritmi a zig-zag.
Ma queste sono tangenti piuttosto che non sequitur, che cavalcano un treno di pensieri tortuoso ma coerente. Kamikaze Palm Tree trova qualcosa di gioioso nell’abbracciare piuttosto che evitare le digressioni. Come canta Hadley in “The Hit”, “Non c’è una porta sbagliata”.
Drillmatic Heart vs. Mind – The Game
Tralasciando il fatto che il successo di The Documentary non avverrà forse mai più questo è un signor disco che però potrebbe portare fuori strada il solito The Game che siamo abituati ad ascoltare. È sicuramente più maturo e più particolare nelle scelte delle strumentali. I numerosi stili forse lo portano un po’ fuori strada ma comunque riesce a mantenere la guida del suo buon gusto dritto alla metà. I brani diciamo sono tutti omaggi a brani del passato, allusioni come anche nel titolo,
Dissing ad Eminem ben interpretato nel pezzo Black Slim Shady e omaggi ovunque quasi ad ogni traccia come modo per dire: io ci sono sempre stato anche prima di te. Che lui sia il nuovo G.O.A.T. sinceramente no. Drillmatic offre ancora alcuni momenti toccanti, per quanto brevi. In “Voodoo”, il suo remake di BOA QG e dell’originale di BOA Hunxho, Game dipinge la scena di un padre disperato che lotta per prendersi cura del suo neonato mentre sua madre combatte contro il cancro al seno, infondendo pathos a un’ode alla trappola altrimenti standard. Big Duke, Hit-Boy sono i produttori che più spiccano di innovazione su questo disco ma la questione è che lo allinea con il sound che va’ oggi mentre lui avrebbe dovuto alzare l’asticella.
Drillmatic è afflitto dalla tracklist gonfia tipica dell’era dello streaming. Gli omaggi ad altri brani di ritorno diventano quasi fastidiosi per gli amanti del genere.
Il risultato è Drillmatic , una campagna estenuante per lo status di GOAT in cui il rapper di Compton fa del suo meglio per superare le caratteristiche dei suoi ospiti usando il proprio stile, à la “Notorious Thugs” di Notorious BIG. Resta comunque un album da mettere in play per cercare la traccia preferita da inserire nella propria playlist.
Cry Sugar – Hudson Mohawke
Hudson Mohawke abbraccia le immagini distopiche trash-pop nel suo primo album in sette anni. Hudson Mohawke ora vive a Los Angeles ed è caduto perdutamente nella tradizione americana.
Il video di un megamix di brani che ha pubblicato prima del suo terzo album, Cry Sugar , ci mostra una scena CGI di un uomo che percorre la Pacific Coast Highway con un assortimento di strambi degni di Mos Eisley e una donna animata così formosa da apparire deformato.
Sembra il video di Grand Theft Auto e “I Love LA” di Randy Newman in una volta, scorre attraverso il filtro fritto del cervello di Kuso , Tim & Eric e Off the Air di Adult Swim . La copertina di Willehad Eilers presenta il Stay-Puft Marshmallow Man di Ghostbusters che mangia un hamburger. In una città le cui colline ospitano l’insegna di Hollywood, l’Osservatorio Griffith e un’allarmante regolarità di inferni fumosi, è difficile non trovare l’umorismo – e l’orrore – in questa estetica.
Il produttore scozzese Ross Birchard cita la “decadenza americana” e lo “sfondo per eccellenza del tardo capitalismo” come ispirazione per il suo primo album da solista in sette anni.
Cry Sugar non è una polemica o una satira, ma colpisce alcune delle stesse note di Idiocracy o Robocop, in cui tutto è così grande, appariscente e stupido da essere quasi psichedelico.
È pieno di momenti che all’inizio sembrano sgradevoli finché non ti rendi conto che è proprio questo il punto. La raspa di Clarence Coffee Jr. inizialmente sembra in contrasto con le trame polimeriche della musica, ma suona la nota giusta su “Bow” con battute grossolane e non sottili come: “Ora vai in giro per tutta la faccia puzzolente come se avessi bisogno di un po’ di Febreze !”.
I campioni di Gospel abbondano, e quando il coro si alza e grida “ Libertà! In “Intentions”, potresti chiederti se Birchard sa’ quanto suona sdolcinato.
Il mio preferito, però, è “Stump”, una delle prime canzoni di Cry Sugar a vedere la luce del giorno. Suona come Also sprach Zarathustra di Richard Strauss *—*la poesia sonora usata in 2001: Odissea nello spazio per fare da colonna sonora all’ascesa dell’umanità nei regni superiori della senzienza, per circa due secondi.
Poi Birchard suona un accordo così dissonante che l’alto dramma si trasforma immediatamente in uno scherzo, come se il figlio delle stelle avesse perso il suo percorso di ritorno sulla Terra e fosse caduto sulla superficie del sole.
È esattamente il tipo di gag sonora inaspettata, pessimistica e profondamente ridicola che Cry Sugar offre uno dopo l’altro, aggiungendosi all’album più divertente e sconvolgente che Birchard abbia mai realizzato.
Moment EP e Water RMIX – Trey Mirror feat. Henry Green
Dopo aver remixato “Kenger” di Joachim Pastor all’inizio di quest’anno, il produttore francese Teho offre un’interpretazione altrettanto incantevole di Trey Mirror e del singolo “Water” di Henry Green del 2022. Ostentando un set sonoro straordinariamente melodioso che risucchia gli ascoltatori in uno stato di sogno, questo remix colpisce il punto tra il fascino della pista da ballo e l’atteggiamento rilassato.
Il brano non remixato proviene dall’EP di Trey Mirror, un’esibizione in cinque parti di abilità musicale, con un senso di raffinatezza sonora che potrebbe elevare la cultura della musica dance. Dalla title track e aggiunta finale “Moment” (feat. MAGUIRE) ai singoli precedentemente pubblicati come “Gold & Green” e “Alpine” (con Leo Stannard), questo EP “Moment” equivale a un’esperienza di ascolto notevole in cinque parti.
DON’T Sleeep ON THISSSss!
Bleed Out – The Mountain Goats
La band di John Darnielle torna alla viscerale franchezza della chitarra-rock per una raccolta di canzoni che abbracciano e umanizzano i tropi familiari del cinema d’azione.
Come ti dirà chiunque abbia visto The Raid, c’è purezza nella brutale semplicità dei film d’azione. Ci sono buoni e cattivi; cercano di spararsi e/o picchiarsi a vicenda; alla fine, una parte prevale. Quell’ambiente in bianco e nero potrebbe sembrare strano per la penna di John Darnielle dei Mountain Goats, la cui scrittura tende a lasciare spazio a fastidiose complicazioni come sottigliezza, sfumature ed empatia omnidirezionale.
Ma in Bleed Out , la sua nuova raccolta di canzoni ispirate a una pandemia trascorsa a divorare film d’azione classici, Darnielle, umanizza e abbraccia i tropi familiari del cinema d’azione.
Si abbandona alla fantasia di evasione offerta dai film d’azione, mentre prende troppo sul serio il costo reale della vita come uno dei loro eroi.
Ogni canzone di Bleed Out si svolge come un’epopea d’azione in miniatura e, sebbene gli scenari raffigurati vadano da sequenze di inseguimenti a situazioni di ostaggi, il filo conduttore principale è una ricerca risoluta di vendicarsi dei propri nemici.
Quest’album ha successo a livello di puro intrattenimento popcorniano. Concepito da Darnielle come un album di “jam uptempo”, è pieno di tamburi sfreccianti, ganci scintillanti e ritornelli inni, ed è facile immaginare canzoni come “Wage Wars Get Rich Die Handsome” che diventano le canzoni preferite dai fan quando vengono eseguite dal vivo.
Don’t sleep on thisssS!
Pure Izm – The Musalini & Khrysis
Questo è il sesto album completo del newyorkese The Musalini. Ha iniziato a prendere d’assalto l’underground nel 2018 dopo aver abbandonato il suo mixtape di debutto Musalini Season. Ha continuato a pubblicare 3 full-lenght e un altro nastro prima di firmare per il TCF Music Group. Da allora, è tornato a casa rilasciando alcuni EP e Return of the Oro nella prima parte di questo decennio. L’ultima volta che ho sentito Mus è stato all’inizio del 2022, quando ha pubblicato il mio album preferito con 9th Wonder, The Don & Eye, per quest’album alla fine ha deciso di reclutare il leggendario Khrysis per Pure Izm .
“Weed & Coffee” parla jazz della vita che è bella, mentre “Goldie in Town” prende un percorso di boom bap più basato su campioni e sacrifici.
Ian Kelly e Izzy Hott si uniscono per il “Well Done” pieno di sentimento ma di classe, dichiarandosi i migliori cani prima che Reuben Vincent entrasse in scena per “$ 200 Pasta”. Nel frattempo in “Transmission”, Mus offre un preludio funky al prossimo “2 Step on ‘Em” con i King Draft che abbracciano un suono più polveroso. La canzone “Crab Rangoon” con O-Finesse dal punto di vista sonoro sembra qualcosa strappato da un film di blaxploitation. Il suono di Khrysis si adatta a Mus tanto quanto quello del suo mentore con l’MC che continua a mettere il suo stile di vita sontuoso sulla cera.
AM – Jabee
Il vincitore dell’Heartland Emmy Award è il nuovo ambizioso progetto di EP in quattro parti di Jabee che è intitolato collettivamente “AM I GOOD ENOUGH”.
Ogni EP avrà un titolo di una parola tratto da quella frase, pronunciata dal premio Oscar Kevin Costner durante il suo discorso ormai iconico al funerale di Whitney Houston nel 2012. Nel suo elogio emotivo, Costner ha detto che il cantante superstar si chiedeva “Sono abbastanza bravo?”.
Negli ultimi anni, Jabee è diventato più visibilmente coinvolto nell’attivismo, dall’organizzazione dell’esposizione di un cartello luminoso con la scritta “Smettila di ucciderci” dopo la morte di George Floyd alla guida di diversi eventi per conto dell’ex detenuto di alto profilo nel braccio della morte Julius Jones.
Con questo progetto, Jabee dice che sta affrontando frontalmente la sua travolgente fiducia corrotta dal COVID riesaminando la sua vita e il suo viaggio insieme a quattro diversi produttori, quattro diversi approcci musicali e un elenco in continua espansione di ospiti e collaboratori. Questo EP è il passo di un’artista da tener d’occhio per tutto questo fine 2022 e non solo.
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